ROOTS. En medio de la tierra en Kir Royal Gallery

Esta exposición trata de huir de los lugares comunes para ofrecer una visión diferente de la realidad inmediata que vivimos. El retrato, como parte de la propia cultura, refleja una identidad que se encuentra en continuo movimiento debido al mestizaje cultural. Así, ROOTS es una indagación sobre la identidad desde cuatro perspectivas diferenciadas, una investigación sobre el retrato fotográfico y su vinculación con el mediterráneo como nexo de unión.

Mostapha Romli (Marruecos)

El artista exhibe su instalación Momentos de Eternidad, presentada anteriormente en el festival Artendencias en la plaza del Museo Reina Sofía durante la Noche en Blanco. La instalación está compuesta por 200 retratos encerrados en recipientes de cristal y obtenidos entre los años 1989 y 2010. Caras para las que el tiempo se detuvo eternamente, rostros congelados, encerrados en frascos para mejorar su conservación y entregados a granel en una pausa intemporal a la espera de volver a vivir tras la mirada de un espectador.

Peyrotau & Sediles (Barcelona/Zaragoza)

Tras este nombre se esconde el colectivo compuesto por Aránzazu Peyrotau (Barcelona) y Antonio Sediles (Zaragoza). Presentan 3 imágenes de su serie enmascarados, una colección de retratos tratados como escenas tenebristas de afilados destellos dorados. Fotografías de un marcado carácter pictorialista descubren las múltiples identidades que posee un mismo personaje. En los últimos años su obra ha sido exhibida en ciudades como Nueva York, Berlín, Washington, Madrid, Colonia o Frankfurt.

Filippos Tsitsopoulos (Grecia)

En la actualidad trabaja como profesor de dibujo en las salas de escultura clásica del Museo Nacional del Prado, un lugar fundamental en la conformación de su universo visual. Su amplia trayectoria expositiva tuvo dos citas importantes: el Círculo de Bellas Artes de Madrid (2004 y 2007) y la Bienal de Liverpool de 2004. Ha tenido exposiciones individuales en Berlín (2004 y 2005), en la Galería Carmen La Calle de Jerez o Dolores de Sierra en Madrid.

Nos presenta una serie de 3 autorretratos construidos a partir de imágenes líquidas, a modo de fotogramas que su imaginación transforma para así potenciar esa presencia de locura y realidad. Influenciado por el imaginario de Giuseppe Arcimboldo (1527-1593), emplea el arte como un fermento de la realidad para evitar alcanzar la locura. Sus trabajos son instantáneas vivas cuya composición se enriquece gracias a la pintura y la escultura, el teatro, la ópera o la música.

Bernardo Tejeda.

Con obras de una delicadeza y espiritualidad extraordinarias, haciendo referencia a la pintura barroca. Fragmentos de fragmentos corpóreos, insinuantes anatomías de reflejos vítreos, adivinanzas de hombre, donde el otro ejerce el yo, la interioridad como bien ilustra Chiozza:

La palabra “interioridad” hace pensar en lo singular de ese algo que hace de todo ser vivo lo que él es, ese algo que procede de una profundidad no espacial…

Bernardo Tejeda recrea bajo baños espirituales en rojo y amarillos elementos de otro ser singular y similar a él, una hibridación sobre el retrato, el polimorfismo, la transmutación y la síntesis.

Su obra ha podido contemplarse en el Museo de Lugo, Museo do Castro de Viladonga, en Galicia, La CAM (Valencia), The Center for Art & Media, Karlruhe, Alemania, MEIAC, Badajoz, Circulo de Bellas Artes, Madrid o The Museet for Samtidskunst, Roskilde, Dinamarca entre otros. Las obras presentadas en ROOTS pertenecen a la serie epígonos en donde lo diferente, dispar, incongruente o aparentemente incompatible, se aúna de forma creíble bajo una nueva realidad. Miradas que escuchan y donde todo es lo que se ve y nada lo que parece.

La exposición estará hasta el próximo 25 de Marzo de 2012.

+info: Kir Royal Gallery.

A pesar de su juventud, su obra está presente en la escena artística contemporánea española con exposiciones individuales y colectivas, y destaca su participación en numerosos certámenes, así como su trayectoria e intensa actividad artística.

Fotografía de Sheila Pazos: Mirando al mar II

Juega con la ciudad, con sus potentes bloques de hormigón y extensiones de asfalto, como si de un enorme lienzo gris se tratase. Un alto edificio de pisos recubiertos por un mantel a cuadros, un gato que imitando a King Kong se sube por las terrazas de unas viviendas, largas y grandes piernas de mujer ataviadas con medias rojas paseando por liliputienses calles… son algunas de las creaciones de las que se sirve Sheila Pazos para configurar un cosmos a su medida.

Juego con la ciudad, con sus enormes y potentes bloques de hormigón, y sus grandes extensiones de asfalto, como si se tratase de un enorme lienzo gris, salpicado de notas de color.

Fotografía de Sheila Pazos: Ciudad Noria

Sheila Pazos, mediante la fotografía, excluye una interpretación única de significados. Es un argumento explícito construido al subvertir imágenes, con la emisión de mensajes paradójicos de la vida urbana y la profusión de enunciados variables. En las composiciones de esta artista es posible considerar apariencias diferentes según la mirada que las contemple, porque las premisas de las que parte no conducen a una sola conclusión, sino a muchas.

Fotografía de Sheila Pazos

La exposición será acompañada por la presentación de algunas obras de su nueva serie “Antioquia” y estará hasta el 4 de Febrero 2012.

+info en la web de la Galería Rita Castellote.

Obra de David Walker

El término arte urbano o arte callejero, traducción de la expresión inglesa street art, hace referencia a todo el arte de la calle, frecuentemente ilegal (esto daría para un amplio debate). El arte urbano engloba tanto al grafiti como a diversas otras formas de expresión artística callejera.

El arte callejero, al integrar sus elementos en lugares públicos bastante transitados, pretende sorprender a los espectadores. Suele tener un llamativo mensaje subversivo que critica a la sociedad con ironía e invita a la lucha social, la crítica política o, simplemente, a la reflexión. Sin embargo, existe cierto debate sobre los objetivos reales de los artistas que actualmente intervienen el espacio público.

Algunos de sus exponentes más reconocidos son Banksy con sus irónicas figuras que se burlan de la política o de la moral, Shepard Fairey, Blek le Rat que ha llegado a presentar sus tanques de guerra, ratas, figuras humanas en museos destinados al arte moderno, Vota Dier y Dr. Hoffman, entre otros.

Obra de Herakut

Obra de fin DAC

Obra de fin DAC

Obra de in 3D

street art

Lego 3D

Visto en Street Art Utopia. Yo he seleccionado los que más me han gustado, no dejes de visitar la web de Street Art Utopia para ver el resto.

Gracias Roberto por el link.

In Medi Terraneum 2011

Los discursos más enriquecedores pueden construirse lejos de las metrópolis del arte, pero a menudo es difícil acceder a estos, puesto que quedan circunscritos a una especie de circuito outsider. Este festival quiere poner el foco sobre esos discursos, exponerlos, estudiarlos y conectarlos con los de otros artistas provenientes de una misma cultura histórica, pero en situaciones actuales diversas. Se trata por tanto de reflexionar acerca de la construcción de una nueva cultura contemporánea, con el Mediterráneo y Latinoamérica como nuevos ejes de acción.

IMT2011 abre convocatorias públicas para artistas residentes en Argentina, Uruguay, Italia y Grecia. Las obras que se presenten deberán abordar la temática de la “creatividad y precariedad”. Se seleccionará una obra por país. Las obras seleccionadas serán expuestas en las cinco ciudades sedes de IMT 2011.

El día 18 de Noviembre, fecha prevista para la inauguración, tendrá lugar en Madrid una sesión de Vj y Dj en la cual se combinarán fragmentos de las obras ganadoras para formar una quinta pieza híbrida. Toda la sesión será retransmitida en directo y proyectada de manera simultánea mediante streaming en las otras cuatro ciudades.

Previamente a esta sesión, se realizará una presentación del festival y los artistas participantes que igualmente se retransmitirá por streaming y en la que se podrá intervenir desde cualquiera de las sedes.

Una vez finalizado el evento inaugural, las cuatro obras seleccionadas, más la quinta pieza generada en directo mediante Vj, quedarán expuestas en los espacios de las instituciones colaboradoras de cada ciudad.

En los días posteriores a la inauguración, comenzará en la ciudad de Madrid una itineraria de las obras por distintos espacios expositivos alternativos de la capital española, iniciándose el 25 de noviembre con un evento inaugural abierta al público, que tendrá lugar en el espacio HUB Madrid (calle Gobernador, 26) a partir de las 19:30hs.

+info: In Medi Terraneum.

Obra de Félix Gonzalez Mateos: Foro romano

Félix González Mateos comenzó de su trayectoria artística allá por 1977 y ha realizado más de medio centenar de exposiciones individuales y ha sido galardonado con infinidad de premios entre los que destacan la Medalla de Honor del Premio BMW de Pintura, la Medalla de Oro en la Bienal Internacional de Arte de Alejandría o el Primer Premio en el Concurso Nacional Francisco de Goya de la Villa de Madrid.

La pintura de Félix González es eminentemente humana, por cuánto está referenciada por la presencia, por, el latido de lo humano o sus pertenencias más representativas. Y esta naturaleza, esta condición inexcusable es la que determina tanto la emoción de su condición proyección plástica, como la utilización de una cierta materia y de unos concretos colores y de un preciso modo de emplearlas.

Obra de Pilar Pérez Hidalgo: Castropol

Pilar Pérez Hidalgo, nacida en la madrileña calle de Claudio Coello el 19 de septiembre de 1956, nos muestra a través de su creativa espátula Castropol, Cudillero o Ribadesella y los transforma en paisajes de ensueño, donde las formas se difuminan y la luz y el color pasan a ser absoluto protagonista dando como resultado una pintua atrevida y seductora.

Aficionada desde la infancia al dibujo artístico, comienza en 1977 sus estudios en los talleres del Círculo de Bellas Artes, incorporándose, en 1979, a la Escuela de Artes Aplicadas y Oficios Artísticos de Madrid en sus especialidades de Dibujo Artístico y Modelado. Entre 1988 y 1994 consolida definitivamente su formación en la Escuela Taller del Prado; conoce a los principales pintores figurativos del momento, en especial a Francisco Molina Montero del que recibe un influjo que perdurará en toda su obra; participa en diversos concursos de pintura siendo seleccionada, ya desde los primeros años, en numerosas ocasiones (Premio Almazán, Concurso Ciudad de Avila, Premio Expansión a la Bolsa , Premio Taller del Prado, Concurso de Pintura Rápida de Boadilla del Monte, cinco veces en el Premio Ejército, etc.), alcanzando en 1993 el Accesit del Premio de Pintura Rápida Puente de Ventas.

Obra de Rosana Sitcha: Santa Florentina

Rosana Sitcha entiende el arte desde el trabajo solitario y autónomo en estudio, donde lleva al soporte las impresiones que obtuvo observando el entorno urbano en el que se desenvuelve y por el que transitan personajes que el fondo de su retina escruta. Su creación basada en la observación, es producto del esfuerzo diario, del análisis de espacio y formas que le rodean.

Obra de Raúl Álvarez Jimenez: Tres bajo el agua

La obra del madrileño Raúl Álvarez Jiménez está enmarcada dentro de un estilo figurativo con fuerte acento realista. Pinta desde que, según él, se acuerda. Se considera autodidacta, aprendiendo por su cuenta a pintar con acuarela, acrílico, óleo, carboncillo, etc. Quiere probar cosas nuevas que representar en sus obras, cambiar la temática, personas, objetos, animales… todo lo que me pueda inspirar para llevarlo al lienzo o al papel. En esta ocasión nos muestra su serie bañistas, con la que consigue llamar poderosamente la atención pintando con pequeñas pinceladas, con diferentes toques aquí y allá, resolver con pasmosa facilidad los brillos y transparencias que la luz proyecta sobre los cuerpos sumergidos bajo el agua.

+info: cervantes6.

Los visitantes a la muestra al aire libre descubrirán una visión de Madrid en la que nada ha quedado en el olvido: la naturaleza, la montaña, las calles emblemáticas, los museos, algunos municipios históricos, el nuevo perfil de la capital y los lugares más pintorescos como el edificio Metrópolis, el Palacio de Cristal del Parque del Buen Retiro o el Arco del Triunfo de Moncloa.

Fernando Manso: Castillo de Buitrago de Lozoya

Fernando Manso es un fotógrafo paciente, minucioso y un artesano en esto de la fotografía ya que todavía trabaja con una cámara clásica, la alemana Linhof, muy pesada y artesanal, cámara analógica de placas de diez por doce, que le permite captar mayor luminosidad en sus fotografías, con la que consigue la perfección técnica en sus imágenes. El problema de trabajar con este tipo de cámaras es que no se ve el resultado hasta después de revelar y positivar, proceso en el que muchos de los fotógrafos actuales no está muy familiarizados.

Fernando manso: Arco de Moncloa

Las imágenes de Manso está dotadas de ese estilo íntimo y bello que le hacen reconocible, como la presencia de la niebla, un elemento meteorológico de gran belleza que se repite en sus instantáneas. Muy perfeccionista y minucioso, es capaz de pasarse horas y horas y hasta días en busca de la luz que tiene en mente para su fotografía. Ante todo, busca la belleza como nexo en toda su obra. Potencia, minimalismo, poesía y romanticismo se funden en sus imágenes.

Fernando Manso: Palacio de Cristal del Parque del Buen Retiro

Fernando Manso ha realizado numerosas e importantes campañas publicitarias (JB, Cardhu, Loewe, Becara…). Para su último trabajo, “Madrid visión fotográfica y artística“, necesitó doce meses en los que recorrió 15.000 kilómetros. Éste trabajo está recogido en un libro, donde se muestran 110 fotografías de Madrid.

Fernando Manso: Edificio Metrópolis

No dejes de pasarte por su portafolio en la web de Fernando Manso, allí encontrarás más imágenes que retratan la vida diaria, la belleza o los deportes. Una maravilla sin desperdicio alguno.

+ info: alcobendas.org o en el blog de Marta Mira Alrededor.

Sanctuary, el nuevo trabajo de Gregory Crewdson en La Fábrica Galería

Este nuevo grupo de 12 fotografías en blanco y negro son el primer trabajo que Crewdson produce fuera de Estados Unidos, usando localizaciones en los exteriores del legendario estudio Cinecittà a las afueras de Roma. Moviéndose a través de calles vacías de la antigua Roma al principio y final del día, Crewdson captura atmósferas melancólicas en cada rincón, cubiertas por la sombra o iluminadas inesperadamente por un rayo de luz.

En Sanctuary, Crewdson convierte la arquitectura escenográfica en el sujeto principal de sus instantáneas, subrayando las técnicas ilusorias que antes había usado para construir sus escenas y acciones. La serie contiene ciertas características de una película documental por la cual es expuesta la vida oculta de las películas y sus artefactos que permanecen una vez que la producción ha cesado. En varias imágenes la estructura subyacente de fachadas y el andamiaje de los decorados en descomposición son expuestos. En otras, los edificios de época son enmarcados por calles adoquinadas y, allí donde se abre la tierra ahora alcanzada por hierbas e hierbajos; las estatuas en ruinas, los graffitis raros en una pared, los charcos de agua de lluvia, y algún detrito más lejos acentúan la ausencia misteriosa de vida que estas imágenes transportan, aumentada por la luz ambiental del alba y del crepúsculo.

Gregory Crewdson: Sanctuary on Nowness.com.

La serie Sanctuary de Crewdson es la primera serie en blanco y negro desde Hover (1996-1997), donde se ha movido más allá de la construcción del surreal drama humano de las series anteriores a la representación del paisaje desprovisto de presencia humana. Los abandonados decorados exteriores han devenido el sujeto, más que un mero decorado, de sus fotografías.

+info: La Fábrica Galería.

Dear photograph

Como es un proyecto abierto, todo aquel que quiera participar en este proyecto solo tiene que contactarse con el autor, Taylor James, en la web del proyecto y enviar su propia versión, mostrando su crecimiento, su cambiado barrio o las nuevas casas de su calle.

¿Y tú?, ¿tienes las tuyas?

+en: Dear Photograph.

Visto en Fotografía Microsiervos.

Al certamen podrán concurrir todos los fotógrafos, sea cual sea su nacionalidad o lugar de residencia, y cada concursante podrá presentar un máximo de tres fotografías individuales o una serie fotográfica. Las obras deberán estar relacionadas con el mundo del ferrocarril en todos sus aspectos: viajeros, estaciones, infraestructuras, trenes, transporte urbano, interurbano y metropolitano, dimensión humana,…

En cuanto a los premios, se han establecido tres categorías, indistintamente para todas las obras, tanto fotografías individuales como para series fotográficas, con un primer premio de 6.000 €, un segundo premio de 3.000 € y un premio Autor Joven de 1.800 €. Además, quedan establecidos diez accésits de 400 euros por obra. Las otras obras seleccionadas, tanto fotografías individuales como series, recibirán 40 euros cada una.

Antonio Manzano, “Berlin Krefeld Hbf” - 1er Premio de la 25ª edición del concurso Caminos de Hierro

No están mal, así que, a que esperas. Coge tu cámara y saca el artista que llevas dentro. Tienes tiempo de sobra. Las obras podrán ser presentadas hasta el día 11 de noviembre de 2011 (por correo postal a la Fundación de los Ferrocarriles Españoles en la calle Santa Isabel 44 – 28012 Madrid; indicando en el sobre 26º ”Caminos de Hierro” y el número de fotografías que contiene).

Si quieres más información y ver las bases del concurso puedes consultarse en la web de la Fundación de los Ferrocarriles Españoles. Por cierto, no dejéis de ver todas las imágenes premiadas en las 25 edicion del certamen, algunas son increíbles. Próxima parada de Íñigo Montoya Alzola, premio Autor Joven es bastante espectacular.

Próxima parada de Íñigo Montoya Alzola. Premio Autor Joven en la 25 ª edición del concurso Caminos de Hierro

Caminos de hierro, el concurso

Para aquellos que no sepan de que va, un poco de historia. El concurso fotográfico Caminos de Hierro fue creado en el año 1986 por la Fundación de los Ferrocarriles Españoles para fomentar y promocionar las actividades artísticas fotográficas en el entorno del ferrocarril a través de sus viajeros, estaciones, trenes, vías, túneles, metros… Desde su creación, este certamen ha alcanzado la participación de casi 30.000 fotógrafos, con más de 65.000 fotografías, provenientes no sólo de España y otros países europeos, sino también de África, América y Asia.

El certamen apoya las nuevas tendencias fotográficas y apuesta también por la participación de fotógrafos jóvenes con el Premio Autor Joven, creado en 1995.

+info: Fundación de los Ferrocarriles Españole.

228 fotografías llenas de belleza y misterio componen la exposición, que provienen del Musée Carnavalet de París, la George Eastman House y las Colecciones de la Fundación Mapfre. Muestran aquella capital francesa que estaba llamada a desaparecer por la llegada de la modernidad entre 1898 y 1924: calles, fachadas, detalles de ornamentos arquitectónicos, los pequeños comercios y sus gentes.

Eugène Atget, El Viejo Paris en la Fundación Mapfre

Sus fotografías tienen gran fuerza de sugestión, reflejan la cotidianidad parisina, de una forma espontánea, libre de las ataduras de otros movimientos más artísticos. Al final de su vida, su figura ya era conocida entre escritores y pintores de la época. Los surrealistas lo encumbraron viendo en sus imágenes, sobre todo en las figuras reflejadas en las cristaleras, una visión natural y pura que sugiere algo fantasmal.

Eugène Atget, El Viejo Paris en la Fundación Mapfre

Su trabajo ha inspirado y siguen inspirando a muchos artistas a lo largo del siglo XX. Algunos de los jóvenes fotógrafos residentes en París en aquella época y que se movían en el círculo surrealista, como Henri Cartier-Bresson, Brassaï, Berenice Abbott o Walker Evans, recibieron una fuerte influencia no sólo de la composición temática de Atget, sino también de su manera sistemática de abordar el tratamiento fotográfico de un lugar.

La exposición, que estará hasta el 27 de agosto de 2011, se completa con el álbum de Man Ray, compuesto por 44 fotografías de Atget, que permiten ver su modernidad.

visita virtual y +info en La Fundación Mapfre.