Antoni Tàpies. Años 60 y 70 en la Galería Elvira González

Dual-es, Tápies frente a Tápies

La exposición que se lleva a cabo en el Museo de Arte Contemporáneo de Alicante (MACA), elaborada conjuntamente con el Centro de Arte Tomás y Valiente de Fuenlabrada (Madrid), hasta el 15 de abril, está formada por un total de 20 obras, (sólo se verán 17 en Alicante por cuestiones de espacio), obras de gran formato, con una gran intensidad y fuerza. Obras datadas entre 1965 y 2008, en las que hay un símbolos creativos común, como la bañera, la cruz y los párpados, entre otros. De este modo, se pueden ver las obras de forma “dual”, como ‘Dues Parpalles’ (1965) (dos párpados) y ‘Parpalles sobre marró’ (2005) (párpados sobre marrón); ‘Banyera’ ()1975 (bañera) y ‘Cos i Banyera’ (1995) (cuerpo y bañera), entre otras obras separadas cronológicamente y que tratan el mismo tema en momentos creativos diferentes.

Antoni Tàpies. Años 60 y 70

Esta muestra, que podrá verse en la Galería Elvira González hasta el 31 de marzo, incluirá piezas representativas de esta etapa del artista, en gran formato sobre diferentes soportes realizadas en técnica mixta.

La evolución de la obra de Antoni Tàpies (Barcelona, 1923) se ha mostrado, ante todo, coherente a lo largo de su carrera y hasta nuestros días. Desde los años cuarenta y cincuenta, Tàpies comenzó a tratar motivos, temas y líneas creativas que desarrolla durante el resto de su carrera. Pero sin duda, como él mismo ha afirmado, es a finales de los cincuenta cuando comienza su recorrido como un artista verdaderamente maduro. Durante la década de 1960 y 1970 su estilo se afianza y se produce la evolución más interesante, que da lugar a las obras más características de Tàpies. Así, la exposición se centra en estas dos décadas fundamentales.

Sin duda estas dos exposiciones son una gran oportunidad para disfrutar de uno de nuestros artistas contemporáneos más significativos.

Una nota: Informalismo

El informalismo es un movimiento pictórico que abarca todas las tendencias abstractas y gestuales que se desarrollaron en Francia y el resto de Europa después de la Segunda Guerra Mundial, en paralelo con el expresionismo abstracto estadounidense. Dentro de él se distinguen diferentes corrientes, como la abstracción lírica, la pintura matérica, la Nueva escuela de París, el tachismo, el espacialismo o el art brut. El crítico de arte francés Michel Tapié acuñó el término art autre (arte otro) en el libro homónimo, de 1952, sobre el arte abstracto no geométrico.

+info sobre Dual-es, Tápies frente a Tápies en la web del Museo de Arte Contemporáneo de Alicante (MACA).

+info sobre Antoni Tàpies. Años 60 y 70 en la web de la Galería Elvira Fernández.

Marc Chagall: Moi et le village

La exposición, que organizada junto con la Fundación Caja Madrid, destacará el gran papel que su obra ocupa en la Historia del Arte y donde se podrán ver trabajos de sus primeros años y de su periodo en París, así como su experiencia en la Rusia revolucionaria y en Francia, hasta llegar al exilio forzado en Estados Unidos en 1941.

En esta salas de la Fundación Caja Madrid la atención se centrará en el período americano y en su evolución artística posterior; se insistirá en los asuntos bíblicos que preocupaban al artista y en su relación con los poetas contemporáneos, además de presentar distintas obras de escultura, cerámica y vitrales.

Chagall en el Museo Thyssen-Bornemisza

Más de 150 obras procedentes de colecciones e instituciones públicas y privadas de todo el mundo. El MoMA y el Guggenheim de Nueva York, la Kunsthaus de Zürich, el Kunstmuseum de Berna, el Stedelijk Museum de Amsterdam, el Tel Aviv Museum of Art, la Tate Modern de Londres,… y así hasta un total de veinte museos de todo el mundo, junto a un gran número de colecciones particulares, que han cedido para la ocasión piezas fundamentales de sus fondos.

El resultado, una larga y completa selección de obras maestras realizada por el comisario de la muestra Jean-Louis Prat, presidente del Comité Chagall, que hacen de esta exposición un acontecimiento artístico de primer orden, difícilmente repetible, y una ocasión única para acercarse a la extensa y particular obra de este artista.

La obra de Marc Chagall

Chagall es conocido por su inventiva surrealista y en su trabajo se encuentran resonancias de fantasías y sueños. Se inspiró en las costumbres de la vida en Bielorrusia e interpretó muchos temas bíblicos, reflejando así su herencia judía. En los años 1960 y 1970 se involucró en grandes proyectos destinados en espacios públicos o en importantes edificios civiles y religiosos.

La obra de Chagall está conectada con diferentes corrientes del arte moderno. Formó parte de las vanguardias parisinas que precedieron la Primera Guerra Mundial. Sin embargo, su obra se queda siempre en los límites de estos movimientos y tendencias emergentes, incluyendo el cubismo y el fauvismo. Estuvo muy conectado con la Escuela de París y sus exponentes, como Amedeo Modigliani.

En sus obras abundan las referencias a su niñez, aun al precio de evitar las problemáticas experiencias que después vivió. Sus obras comunican la felicidad y el optimismo a aquellos que las observan mediante intensos y vívidos colores. Chagall gustaba de colocarse a sí mismo, a veces junto con su mujer, como observador del mundo, un mundo de colores visto a través de un vitral. Muchos consideran que La crucifixión blanca (y sus ricos e intrigantes detalles) es una denuncia del régimen de Stalin, del holocausto nazi y de toda la opresión contra los judíos.

+info: Museo Thyssen-Bornemisza.

Obras de Van Gogh con efecto Tilt-Shift en Artcyclopedia

A Enero de 2006 Artcyclopedia tenía indexados más de 2,300 sitios web sobre arte y ofrece más de 95,000 links a aproximadamente 180,000 obras de arte hechas por 8,200 artistas plásticos consagrados además de otras artes como fotografía, artes decorativas, vídeo, arte digital y web o arquitectura. Verdaderamente amplio.

En esta enciclopedia encontramos una curiosa colección de obras de Van Gogh vistos desde el interesante prisma del Tilt-Shift, esa técnica fotográfica con un más que atrayente resultado que se consigue o bien con unas lentes carísimas o trasteando con el Photoshop, variando el contraste, la saturación de color y la profundidad de enfoque… (bla, bla, bla). El resultado, que podéis ver en las imágenes que acompañan el post, es bastante cautivador.

Obras de Van Gogh con efecto Tilt-Shift en Artcyclopedia

Obras de Van Gogh con efecto Tilt-Shift en Artcyclopedia

Obras de Van Gogh con efecto Tilt-Shift en Artcyclopedia

Obras de Van Gogh con efecto Tilt-Shift en Artcyclopedia

+imágenes en la wen de Artcyclopedia.

Giovanni Antonio Canal, llamado Il Canaletto (Venecia, 1697-1768) La Plaza de San Marcos de Venecia Año c.1723-1724

La exposición reúne la obra de muchos prestigiosos artistas, procedente de colecciones particulares y museos de todo el mundo: Museos Vaticanos, la National Gallery of Art de Washington, la Galleria degli Uffizi, el Museo del Prado o Patrimonio Nacional. Cuadros de grandes pintores tanto de la órbita mediterránea como del norte de Europa, desde el siglo XIV al XVIII: Duccio di Buoninsegna, Canaletto, Giovanni Paolo Panini, Tintoretto, Gaspar van Wittel, Hubert Robert, Maerten van Heemskerck o Hans Vredeman de Vries, entre otros.

Gaspar van Wittel (Amersfoort, 1652/1653-Roma, 1736) Piazza Navona Año 1699

La representación de arquitecturas ha sido una de las herramientas que ha proporcionado al espectador detalles y claves para interpretar las composiciones. Estos escenarios, especialmente a partir del Renacimiento, toman un nuevo rumbo donde se vuelcan conocimientos y teorías, se reivindica el estatus del artista para transformarse, más tarde, en un instrumento de propaganda y poder en manos de sus comitentes y ya, en el siglo XVIII, en un género nuevo que tiene como único protagonista a la ciudad.

La exposición estará abierta hasta el 22 de enero de 2012, puedes ver el folleto pinchando aquí o encontrar +info en la web del Museo Thyssen-Bornemisza.

Talking Galleries, Barcelona

Durante los 3 días que dura el evento el galerista será el único protagonista y se ofrecerán encuentros, conferencias y debates protagonizados por 25 figuras destacadas del mundo del arte procedentes de 11 países. Seis mesas redondas donde se debatirán temas de actualidad, la crisis que también afecta, intercambiando experiencias y puntos de vista así como buenas prácticas en el mercado del arte. Puedes ver el programa del Talking Galleries International Gallerist Meeting completo en pdf pinchando en el enlace anterior.

Se tratan de galeristas de renombre, como Janelle Reiring, de Metro Pictures Gallery, periodistas especializados, como Georgina Adam, de Financial Times; expertos críticos, como Estrella de Diego, comisaria y catedrática de Historia del Arte Contemporánea; directores de ferias, como Carlos Urroz, de Arcomadrid, e incluso economistas específicos, como es Robert Tornabell, catedrático de Banca y Finanzas Internacionales de ESADE, que junto a veintena de profesionales conforman el programa de conferencias y debates englobado en seis paneles de discusión versados en: el efecto de la crisis económico, los mercados emergentes, el rol del galerista del arte, el futuro de la ferias del arte, o la internacionalización de las galerías.

Como complemento del encuentro, junto a las charlas, la organización ha preparado una serie de visitas de los participantes a las galerías y a los grandes centros de arte de la ciudad como es el MACBA, la Fundación Joan Miró, Arts Santa Mónica, la Caixa Fòrum i Mediateca del Caixa Fòrum o la Fundación Suñol, entre otros.

+info: MACBA.

Fuente: Talentyart.

Este óleo sobre lienzo podrá verse a partir del próximo 17 de septiembre, y hasta el 18 de diciembre de este año, es considerado como una obra clave del periodo rosa (1904-1905). En esta etapa el artista indagó sobre los aspectos constitutivos de la forma, la línea y el volumen, en una búsqueda esencial. La oposición entre la gracia y ligereza de la acróbata y el peso y la rotundidad del atleta, situados ambos sobre sólidos geométricos ante un paisaje depurado, se muestra con perfecto equilibrio, en una gama restringida de color.

La obra invitada: La acróbata de la bola, Picasso

A través de las simbólicas figuras del circo, que en esa época visitaba a menudo en París, el pintor realizó una reflexión sobre la propia vida del artista, vinculada con una investigación pura sobre los problemas fundamentales de la pintura.

La acróbata de la bola de Picasso, adquirida por la estadounidense Gertrude Stein, pasó luego a la Galería de Kahnweiler, que la vendió en 1913 al coleccionista ruso I. A. Morosov. Tras la Revolución, pasó a formar parte de las colecciones estatales, y sólo en contadas ocasiones ha sido prestada por el Museo Pushkin de Moscú, en el que se conserva.

+info: Museo del Prado.

Roma. Naturaleza e Ideal. Paisajes 1600-1650

La exposición, organizada en conjunto con la Rmn-Grand Palais (París), y el Musée du Louvre, Paris, está compuesta por más de un centenar de obras que recogen a los artistas más sobresalientes y sus obras más significativas para dar cuenta de como es el origen del paisaje cómo género autónomo.

Ulises devolviendo a Criseida a su padre. Claudio de Lorena.

Se pueden contemplar 84 pinturas junto a 19 dibujos dispuestos en ámbitos cronológicos, con independencia de la nacionalidad del artista, para poner de manifiesto influencias mutuas y los pasos dados hasta el pleno desarrollo del género. El museo explica así la exposición:

En Roma coincidieron diferentes tradiciones que durante el siglo XVI habían constituido las tendencias más significativas de este género pictórico: los paisajes arqueológicos de Polidoro da Caravaggio y Rafael, así como los fondos más naturalistas y poéticos de obras de Giorgione o Tiziano, que algunos de los grandes coleccionistas romanos mostraban con orgullo.

Fue Aníbal Carracci quien elaboró el prototipo del paisaje armónicamente estructurado, que a finales del siglo XVII mereció el calificativo de clásico. El ejemplo de Carracci fue posteriormente desarrollado por sus discípulos boloñeses, como Domenichino o Francesco Albani, quienes enriquecieron el género con referencias literarias. Paul Bril, por otro lado, aportó la creación de variantes como el paisaje marino, pequeñas escenas de género o paisajes con topografía precisa. De esta manera, él y otros artistas procedentes de Amberes, como Jan Brueghel o Sébastien Vrancx, modernizaron en Roma la tradición de la pintura de Amberes del siglo XVI a través del contacto con el paisaje italiano.

En este vídeo que se encuentra en el canal del Museo del Prado en youtube, Andrés Úbeda, Jefe del Departamento de Pintura Francesa e Italiana y comisario de esta exhibición, comenta los puntos más interesantes de la muestra y nos ofrece una guía para su recorrido.

+en el Museo del Prado.

En este documental de 1992 se explora el proceso creativo del artista a través de la contemplación del pintor Antonio López, intentando pintar la luz que penetra, a ciertas horas del día, entre los frutos de un membrillero.

Madrid, otoño de 1990. El pintor Antonio López García hace años plantó en el jardín de su estudio un membrillero. Ahora se decide a pintarlo, justo cuando sus frutos empiezan a madurar. La película nos muestra el proceso creativo del cuadro, desde ciertos aspectos técnicos hasta las conversaciones que el pintor mantiene con las personas que visitan su estudio, fijándose en las sensaciones y expresiones que el pintor tiene en todo ese proceso. Al final de la película, Antonio López García nos cuenta un sueño..

El documental dura algo más de dos horas, así que siéntate, ponte cómodo y disfruta de la magistral clase del maestro:

+info: clubcultura.

Este cuadro es uno de los cuatro retratos de mujer que Da Vinci pintó, los otros tres la Ginevra de’ Benci (National Gallery, Washington), La Belle Ferronière y, la más conocida, La Gioconda (Museo del Louvre, París). En este se muestra a Cecilia Gallerani, una joven de la época de 17 años amante de Ludovico Sforza El Moro, que sujeta en sus brazos un armiño.

La dama del armiño de leonardo Da Vinci

La obra se puede ver a partir del próximo 4 de junio, y hasta el 4 de septiembre, en la exposición La edad de oro de Polonia. Tesoros de las colecciones polacas s. XV-s. XVIII, que han organizado conjuntamente Patrimonio Nacional, Acción Cultural Española (ACE) y Fundación Banco Santander.

También en la muestra se pueden ver diferentes obras, hasta un total de 190 obras desde pintura y escultura hasta mobiliario, tapices, monedas y medallas, libros, porcelana y textiles. Destacan, además, óleos de reconocidos artistas como Lucas Cranach y Rembrandt, tapices de Bruselas y armaduras de talleres de Alemania e Italia.

+info: Palacio Real de Madrid.

Con esta exposición el museo tratará de poner de manifiesto que aparte, como da a entender el título de la exposición, de la obra de Goya también ha habido una serie muy numerosa de obras singulares que han ido formando parte de la colección del Prado.

José de Ribera, Niño con un molinillo y viejo tirando de una carreta con un cadáver, 1640 – 1650

En la exposición se va a ver es el trabajo directamente sobre el papel, no se van a ver ni paspartus ni ningún otro soporte, sólo el papel que el artistas tuvo directamente en sus manos y en la que plasmó esa primera idea. Un material que, a diferencia de otros medios, por sus cualidades materiales, requiere de especiales condiciones de conservación que impiden su exhibición pública por largos periodos de tiempo.

La exposición se organiza en distintas secciones que responden a las principales líneas de adquisición establecidas por el Museo. La exposición define también las principales líneas de investigación y exposición de la colección en los próximos años a través de sus ocho apartados: Dibujos españoles, Goya, Colección Madrazo, Colección Cervelló, Cuadernos y álbumes de dibujos, Álbumes de fotografía, El Museo del Prado en la fotografía y La fotografía y los artistas.

En el vídeo que os dejo acontinuación José Manuel Matilla, Jefe de Departamento de Dibujos y Estampas, comenta la exposición y se pueden ver los diferentes ámbitos de la exposición, así como las obras más representativas de cada uno de ellos.

+info: Museo del Prado.