Erase una vez, obra del pintor Kiker

Por un lado Kiker sin duda es el mejor representante asturiano del expresionismo onírico, dentro y fuera de nuestras fronteras. Desde que en 1985 expusiera en ARCO su obra y una de las más visitadas y aplaudidas en esa edición titulada W.C Aart, no ha parado de crecer y evolucionar como artista, para esta exposición nos presenta sus últimas obras inspiradas en el Cirque du Soleil y algunas ya más conocidas como sus famosos soplaflautas o sus payasos.

Y por otro lado Favila, maestro indiscutible del impresionismo asturiano dotado de gran facilidad a la hora de pintar con su estilo que nos demuestra esa facilidad que tiene a la hora de plasmar en el lienzo todo lo que pasa por su imaginación, intentando con lo mínimo expresar lo máximo, dando a sus trabajos vida propia y creando una atmósfera única en cada obra llena de luz, fuerza, frescura y calidez.

Además presentan por primera vez a Jorge da Silva y Eva Barona, a dos jóvenes pintores asturianos , alumnos del maestro Favila que sin duda darán mucho que hablar en los próximos años.

La exposición permanecerá hasta el 29 de febrero.

+info: cervantes6.

Catalá-Roca. Obras Maestras

(hasta el 23 de Abril)

Francesc Catalá-Roca (Valls, 1922 – Barcelona, 1998) es considerado uno de los renovadores de la fotografía en nuestro país y quizá nuestro fotógrafo más importante del siglo XX. La obra de Francesc Català-Roca constituye la piedra angular de la fotografía documental en España. Nadie como él supo intuir primero y construir después un discurso pleno de autenticidad, fe y consciencia en el lenguaje de las imágenes destinadas a reconocer y reconocernos. El reportaje fotográfico logró con su trabajo una sintaxis nueva, una estructura firme y decidida, alejada sin titubeos de cualquier tentativa experimental y de cualquier ambición artística.

CATALÀ-ROCA. OBRAS MAESTRAS

Andy Warhol. Portraits

(hasta el 22 de Abril)

Autorretrato de Andy Warhol

IberCaja Patio de la Infanta en Zaragoza acoge la exposición Andy Warhol: Portraits que se puede ver por primera vez en Europa, gracias a la colaboración con The Andy Warhol Museum of Pittsburgh. Una oportunidad única de apreciar 99 obras realizadas por Andy Warhol a lo largo de cinco décadas, desde 1940 hasta 1980, entre pinturas, impresiones, dibujos y fotografías, que permiten comprender la evolución artística de Andy Warhol, uno de los creadores más transgresores y transformadores de conceptos en el siglo XX, y que acercan al espectador a las claves de su legado inmortal.

Las primeras fotografías del artista en su juventud, solo o con su familia, los primeros retratos a lápiz que realiza en la década de 1940, y varios de sus dibujos coloreados con tinta, acuarela o anilina, efectuados a partir de 1950, coincidiendo con la realización de trabajos comerciales. Es a principios de 1960 cuando Warhol empezó a pintar retratos por encargo, convirtiéndose en un símbolo de modernidad, apreciado por los intelectuales más significados del momento.

Esta exposición ofrece un amplio recorrido por esta etapa que abarca las décadas de 1970 y 1980, con retratos muy famosos, entre los que se encuentran figuras de la música como Prince (1984) o de cine, como dos lienzos de Sylvester Stallone (1980) en los que aparece con y sin barba, lienzos de Jane Fonda y Alfred Hitchcock y sendas fotografías de Arnold Schwarzenagger (1977) y Liza Minelli (1977). Mao, omnipresente en la obra de Warhol, se incluye también en la muestra junto a Gerald Ford (1967) en el apartado de políticos. Yves Saint Laurent (1972), Sonia Rikiel (1986) y Carolina Herrera se unen a esta galería de retratos representando a los grandes modistos.

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Mucho, mucho tiempo atrás, en una tierra lejana… existía un violín mágico que tenía el poder de conceder a sus propietarios todos sus deseos.

‘Long, long time ago…’ es la serie escogida por Fernando Bayona para presentar su primera exposición en FOCO Gallery, presente hasta el 17 Febrero. Doce instantáneas nada espontáneas. Calculadas y milimetradas hasta la más mínima mota de polvo o viruta de madera. Así trabaja Bayona, y ese es el sello de su fotografía: la minuciosidad y el gusto por cada uno de los detalles. Nada queda al azar del disparo, todo está bajo control, tanto en la producción como en la postproducción de las imágenes.

Long, long time ago...’ por Fernando Bayona en FOCO Gallery

Estamos ante fotografías de estudio que parecen lienzos, escenario de ensoñación, de mundos paralelos, convirtiendo en real algo imaginario que salió de la mente de los Hermanos Grimm, Charles Perrault, Hans Christian Andersen o Lewis Carroll entre otros.

Long, long time ago...’ por Fernando Bayona en FOCO Gallery

En esta serie el leitmotiv es un violín. Un instrumento cuyas cuerdas entrelazan toda una serie de escenas de cuentos clásicos, desde Caperucita a Gepetto, visitando al Mago Merlín o cayendo con Alicia en la madriguera del conejo. Imágenes de historias paralelas reunidas para contar una historia común, la del Panete, un violín creado por Giuseppe Guameri en 1737, propiedad del banco suizo BSI.

Texto: Pilar DM de El Dado del Arte.

+info: FOCO Gallery.

Cartel de la muestra bajofondo de Mercedes Fittipaldi

Mercedes Fittipaldi

Mercedes ació en Azul, Prov. De Bs. As, Argentina, actualmente reside en España, Alicante.

Fotografiar es un todo que comienza con la mirada, con la observación de cada detalle, con el estudio de un momento que es ahora o nunca, y que termina con la emoción de sentirlo único y de haberlo atrapado. Mirar, observar, sentir, emocionarse, y fotografiar

La fotografía ha sido siempre su verdadera pasión, pero no fue hasta el año 2005 que comenzó sus estudios de Fotografía en España. Desde entonces su formación no ha dejado de nutrirse de la información, investigación y especialización en los distintos campos de la fotografía. Desde el paisaje a la foto-producto, desde la Moda hasta la publicidad, desde el cine hasta el arte, pasando por el desnudo, o paseando por la vida. En el año 2008 abre su propio estudio, en Alicante, Estudios Omh, donde trabaja actualmente en proyectos propios, para distintos clientes y en diferentes campañas.

+info: Mercedes Fittipaldi.

Antoni Tàpies. Años 60 y 70 en la Galería Elvira González

Dual-es, Tápies frente a Tápies

La exposición que se lleva a cabo en el Museo de Arte Contemporáneo de Alicante (MACA), elaborada conjuntamente con el Centro de Arte Tomás y Valiente de Fuenlabrada (Madrid), hasta el 15 de abril, está formada por un total de 20 obras, (sólo se verán 17 en Alicante por cuestiones de espacio), obras de gran formato, con una gran intensidad y fuerza. Obras datadas entre 1965 y 2008, en las que hay un símbolos creativos común, como la bañera, la cruz y los párpados, entre otros. De este modo, se pueden ver las obras de forma “dual”, como ‘Dues Parpalles’ (1965) (dos párpados) y ‘Parpalles sobre marró’ (2005) (párpados sobre marrón); ‘Banyera’ ()1975 (bañera) y ‘Cos i Banyera’ (1995) (cuerpo y bañera), entre otras obras separadas cronológicamente y que tratan el mismo tema en momentos creativos diferentes.

Antoni Tàpies. Años 60 y 70

Esta muestra, que podrá verse en la Galería Elvira González hasta el 31 de marzo, incluirá piezas representativas de esta etapa del artista, en gran formato sobre diferentes soportes realizadas en técnica mixta.

La evolución de la obra de Antoni Tàpies (Barcelona, 1923) se ha mostrado, ante todo, coherente a lo largo de su carrera y hasta nuestros días. Desde los años cuarenta y cincuenta, Tàpies comenzó a tratar motivos, temas y líneas creativas que desarrolla durante el resto de su carrera. Pero sin duda, como él mismo ha afirmado, es a finales de los cincuenta cuando comienza su recorrido como un artista verdaderamente maduro. Durante la década de 1960 y 1970 su estilo se afianza y se produce la evolución más interesante, que da lugar a las obras más características de Tàpies. Así, la exposición se centra en estas dos décadas fundamentales.

Sin duda estas dos exposiciones son una gran oportunidad para disfrutar de uno de nuestros artistas contemporáneos más significativos.

Una nota: Informalismo

El informalismo es un movimiento pictórico que abarca todas las tendencias abstractas y gestuales que se desarrollaron en Francia y el resto de Europa después de la Segunda Guerra Mundial, en paralelo con el expresionismo abstracto estadounidense. Dentro de él se distinguen diferentes corrientes, como la abstracción lírica, la pintura matérica, la Nueva escuela de París, el tachismo, el espacialismo o el art brut. El crítico de arte francés Michel Tapié acuñó el término art autre (arte otro) en el libro homónimo, de 1952, sobre el arte abstracto no geométrico.

+info sobre Dual-es, Tápies frente a Tápies en la web del Museo de Arte Contemporáneo de Alicante (MACA).

+info sobre Antoni Tàpies. Años 60 y 70 en la web de la Galería Elvira Fernández.

Marc Chagall: Moi et le village

La exposición, que organizada junto con la Fundación Caja Madrid, destacará el gran papel que su obra ocupa en la Historia del Arte y donde se podrán ver trabajos de sus primeros años y de su periodo en París, así como su experiencia en la Rusia revolucionaria y en Francia, hasta llegar al exilio forzado en Estados Unidos en 1941.

En esta salas de la Fundación Caja Madrid la atención se centrará en el período americano y en su evolución artística posterior; se insistirá en los asuntos bíblicos que preocupaban al artista y en su relación con los poetas contemporáneos, además de presentar distintas obras de escultura, cerámica y vitrales.

Chagall en el Museo Thyssen-Bornemisza

Más de 150 obras procedentes de colecciones e instituciones públicas y privadas de todo el mundo. El MoMA y el Guggenheim de Nueva York, la Kunsthaus de Zürich, el Kunstmuseum de Berna, el Stedelijk Museum de Amsterdam, el Tel Aviv Museum of Art, la Tate Modern de Londres,… y así hasta un total de veinte museos de todo el mundo, junto a un gran número de colecciones particulares, que han cedido para la ocasión piezas fundamentales de sus fondos.

El resultado, una larga y completa selección de obras maestras realizada por el comisario de la muestra Jean-Louis Prat, presidente del Comité Chagall, que hacen de esta exposición un acontecimiento artístico de primer orden, difícilmente repetible, y una ocasión única para acercarse a la extensa y particular obra de este artista.

La obra de Marc Chagall

Chagall es conocido por su inventiva surrealista y en su trabajo se encuentran resonancias de fantasías y sueños. Se inspiró en las costumbres de la vida en Bielorrusia e interpretó muchos temas bíblicos, reflejando así su herencia judía. En los años 1960 y 1970 se involucró en grandes proyectos destinados en espacios públicos o en importantes edificios civiles y religiosos.

La obra de Chagall está conectada con diferentes corrientes del arte moderno. Formó parte de las vanguardias parisinas que precedieron la Primera Guerra Mundial. Sin embargo, su obra se queda siempre en los límites de estos movimientos y tendencias emergentes, incluyendo el cubismo y el fauvismo. Estuvo muy conectado con la Escuela de París y sus exponentes, como Amedeo Modigliani.

En sus obras abundan las referencias a su niñez, aun al precio de evitar las problemáticas experiencias que después vivió. Sus obras comunican la felicidad y el optimismo a aquellos que las observan mediante intensos y vívidos colores. Chagall gustaba de colocarse a sí mismo, a veces junto con su mujer, como observador del mundo, un mundo de colores visto a través de un vitral. Muchos consideran que La crucifixión blanca (y sus ricos e intrigantes detalles) es una denuncia del régimen de Stalin, del holocausto nazi y de toda la opresión contra los judíos.

+info: Museo Thyssen-Bornemisza.

ROOTS. En medio de la tierra en Kir Royal Gallery

Esta exposición trata de huir de los lugares comunes para ofrecer una visión diferente de la realidad inmediata que vivimos. El retrato, como parte de la propia cultura, refleja una identidad que se encuentra en continuo movimiento debido al mestizaje cultural. Así, ROOTS es una indagación sobre la identidad desde cuatro perspectivas diferenciadas, una investigación sobre el retrato fotográfico y su vinculación con el mediterráneo como nexo de unión.

Mostapha Romli (Marruecos)

El artista exhibe su instalación Momentos de Eternidad, presentada anteriormente en el festival Artendencias en la plaza del Museo Reina Sofía durante la Noche en Blanco. La instalación está compuesta por 200 retratos encerrados en recipientes de cristal y obtenidos entre los años 1989 y 2010. Caras para las que el tiempo se detuvo eternamente, rostros congelados, encerrados en frascos para mejorar su conservación y entregados a granel en una pausa intemporal a la espera de volver a vivir tras la mirada de un espectador.

Peyrotau & Sediles (Barcelona/Zaragoza)

Tras este nombre se esconde el colectivo compuesto por Aránzazu Peyrotau (Barcelona) y Antonio Sediles (Zaragoza). Presentan 3 imágenes de su serie enmascarados, una colección de retratos tratados como escenas tenebristas de afilados destellos dorados. Fotografías de un marcado carácter pictorialista descubren las múltiples identidades que posee un mismo personaje. En los últimos años su obra ha sido exhibida en ciudades como Nueva York, Berlín, Washington, Madrid, Colonia o Frankfurt.

Filippos Tsitsopoulos (Grecia)

En la actualidad trabaja como profesor de dibujo en las salas de escultura clásica del Museo Nacional del Prado, un lugar fundamental en la conformación de su universo visual. Su amplia trayectoria expositiva tuvo dos citas importantes: el Círculo de Bellas Artes de Madrid (2004 y 2007) y la Bienal de Liverpool de 2004. Ha tenido exposiciones individuales en Berlín (2004 y 2005), en la Galería Carmen La Calle de Jerez o Dolores de Sierra en Madrid.

Nos presenta una serie de 3 autorretratos construidos a partir de imágenes líquidas, a modo de fotogramas que su imaginación transforma para así potenciar esa presencia de locura y realidad. Influenciado por el imaginario de Giuseppe Arcimboldo (1527-1593), emplea el arte como un fermento de la realidad para evitar alcanzar la locura. Sus trabajos son instantáneas vivas cuya composición se enriquece gracias a la pintura y la escultura, el teatro, la ópera o la música.

Bernardo Tejeda.

Con obras de una delicadeza y espiritualidad extraordinarias, haciendo referencia a la pintura barroca. Fragmentos de fragmentos corpóreos, insinuantes anatomías de reflejos vítreos, adivinanzas de hombre, donde el otro ejerce el yo, la interioridad como bien ilustra Chiozza:

La palabra “interioridad” hace pensar en lo singular de ese algo que hace de todo ser vivo lo que él es, ese algo que procede de una profundidad no espacial…

Bernardo Tejeda recrea bajo baños espirituales en rojo y amarillos elementos de otro ser singular y similar a él, una hibridación sobre el retrato, el polimorfismo, la transmutación y la síntesis.

Su obra ha podido contemplarse en el Museo de Lugo, Museo do Castro de Viladonga, en Galicia, La CAM (Valencia), The Center for Art & Media, Karlruhe, Alemania, MEIAC, Badajoz, Circulo de Bellas Artes, Madrid o The Museet for Samtidskunst, Roskilde, Dinamarca entre otros. Las obras presentadas en ROOTS pertenecen a la serie epígonos en donde lo diferente, dispar, incongruente o aparentemente incompatible, se aúna de forma creíble bajo una nueva realidad. Miradas que escuchan y donde todo es lo que se ve y nada lo que parece.

La exposición estará hasta el próximo 25 de Marzo de 2012.

+info: Kir Royal Gallery.

Aryz - Hello World

Pero este graffitero no se conforma con plasmar su arte en las paredes de ciudades de todo el mundo, si no que se atreve a trasladar sus dibujos a espacios más pequeños con una serie de obras pintadas al óleo, combinando telas y dibujos. Sus obras destacan por su temática sombría y una técnica singular que impresiona. Influenciado por el surrealismo y el pop, el artista crea un destacado estilo propio jugando con la caracterización de personajes y elementos orgánicos. En los últimos años sus trabajos han sido portada de importantes revistas de arte urbano y sus intervenciones se han multiplicado por toda Europa.

Aryz - Hello World

Aryz - Hello World

Estos lienzos se pueden ver todavía en la exposición Hello World, primera exposición individual de Aryz que transforma por completo el espacio de Montana Gallery Barcelona con el inconfundible universo del artista. Hasta el 21 de enero de 2012.

+info sobre la exposición en la web de Montana Gallery Barcelona.

+sobre Aryz en su web.

Fuente: Neo2.

Estos creadores, a través de fotografías, videos y performances, cuestionan el peso de la tradición, la sacralización del objeto artístico, la relación de la fotografía con la pintura, el mercado del arte y la interrelación con el espectador. La fotografía (disciplina de la que me voy enamorado más y más) en las últimas dos o tres décadas en las que ha entrado en los grandes circuitos de la expresión artística, ha adquirido una gran notoriedad que la ha igualado a otros lenguajes expresivos más clásicos como la pintura o escultura.

Lucia Ganieva

Lucia Ganieva en la Galería Cero

El trabajo Ermitazhniki de la fotógrafa rusa afincada en Holanda Lucia Ganieva, es una serie de retratos de las vigilantes de las salas del Museo Hermitage. Las fotografías de Lucia ponen de manifiesto la relación entre el cuadro y su vigilante, en un juego de referentes reales, pictóricos y fotográficos. Por un proceso de ósmosis, estas mujeres acaban pareciéndose a los cuadros que custodian.

Subyace en el trabajo una reflexión sobre el papel de la mujer en la historia del arte, su invisibilidad como creadora y su expresividad como musa.

Emilio Pemjean

Emilio Pemjean en la Galería Cero

En Palimpsesto, Emilio Pemjean nos hace un recorrido por diferentes espacios de obras maestras de la pintura que se han convertido en iconos y mitos. Los espacios han sido vaciados de personas y objetos y se muestran como escenarios dónde se representan los dramas pictóricos. Estas arquitecturas existieron en su momento, pero fueron destruidas y hoy en día sólo perviven en forma de fondo de un cuadro. Emilio resucita los espacios, y les devuelve su tercera dimensión, reconstruyéndolos en una maqueta, que después fotografía. De esta manera el espacio recupera su carácter bidimensional.

Es un juego de transmutación de lenguajes, que pasa de la arquitectura, a la pintura, a la escultura y finalmente a la fotografía, invitándonos a una relectura del espacio como símbolo. Se reconocen y sorprenden espacios como el de Las Meninas de Velázquez o famosas obras de Vermeer y Maes.

David Schäfer

El trabajo de David Schäfer El artista consagrado reflexiona sobre los mecanismos que otorgan valor artístico a una obra, entre los cuales se encuentra el Museo como institución que legitima al artista que expone entre sus paredes. A través de un performance, David convierte su cuerpo en pared y la camiseta en soporte donde se encuentra impresa la obra fotográfica.

Mariano Icaza

El trabajo de Mariano Icaza también se encuentra dentro del ámbito del homenaje, aunque está más cercano a las estrategias de apropiación y escenificación de los años 80. Bajo el seudónimo de Atos Alde, Mariano tiene la oportunidad de retratarse por los grandes maestros de la historia de la fotografía, desafiando así el paso del tiempo: Rodchenko, Avedon, Pierre Gonord, Zhang Huan… Apropiándose del estilo, la técnica, la luz y la pose, cuestiona el concepto de original y de copia. Lo único que cambia es el modelo, que es siempre Atos Alde. Ejercicio irónico de retrato/autorretrato que reflexiona sobre el juego de mirar, mirarse y ser mirado, y sobre la identidad cambiante según el yo que posa, el tú que fotografía y el él/ella que mira.

David Crespo

Crespo reinterpreta la obra de dos grandes maestros de la pintura, Caspar David Friederich y Francis Bacon en sus vídeos El caminante sobre nubes y Estudio sobre un retrato de George Dyer. En un acto irreverente, la textura pictórica del cuadro es sustituida por la textura de un video digital de baja calidad que asemeja una película casera o de serie B. Friederich y Bacon revisados bajo la mirada surrealista, absurda e irónica de este irreverente autor.

La exposición MUSEUM estará hasta el 16 de Marzo.

+info en la web de la galería cero.

A pesar de su juventud, su obra está presente en la escena artística contemporánea española con exposiciones individuales y colectivas, y destaca su participación en numerosos certámenes, así como su trayectoria e intensa actividad artística.

Fotografía de Sheila Pazos: Mirando al mar II

Juega con la ciudad, con sus potentes bloques de hormigón y extensiones de asfalto, como si de un enorme lienzo gris se tratase. Un alto edificio de pisos recubiertos por un mantel a cuadros, un gato que imitando a King Kong se sube por las terrazas de unas viviendas, largas y grandes piernas de mujer ataviadas con medias rojas paseando por liliputienses calles… son algunas de las creaciones de las que se sirve Sheila Pazos para configurar un cosmos a su medida.

Juego con la ciudad, con sus enormes y potentes bloques de hormigón, y sus grandes extensiones de asfalto, como si se tratase de un enorme lienzo gris, salpicado de notas de color.

Fotografía de Sheila Pazos: Ciudad Noria

Sheila Pazos, mediante la fotografía, excluye una interpretación única de significados. Es un argumento explícito construido al subvertir imágenes, con la emisión de mensajes paradójicos de la vida urbana y la profusión de enunciados variables. En las composiciones de esta artista es posible considerar apariencias diferentes según la mirada que las contemple, porque las premisas de las que parte no conducen a una sola conclusión, sino a muchas.

Fotografía de Sheila Pazos

La exposición será acompañada por la presentación de algunas obras de su nueva serie “Antioquia” y estará hasta el 4 de Febrero 2012.

+info en la web de la Galería Rita Castellote.